Con la nueva producción cinematográfica de Al Pacino sobre Modigliani, echemos un vistazo.

Dernière mise à jour : 18 août


Nacido el 12 de julio de 1884 en Livorno (Reino de Italia) y fallecido el 24 de enero de 1920 en París, fue un pintor y escultor italiano asociado a la Escuela de París.

Amedeo Modigliani creció en el seno de una familia judía burguesa pero sin recursos, que, al menos por parte de su madre, apoyó su precoz vocación artística. Sus años de formación le llevaron de la Toscana a Venecia, pasando por el Mezzogiorno, antes de instalarse en París en 1906, entonces capital europea de las vanguardias artísticas.

Entre Montmartre y Montparnasse, estrechamente vinculado a Maurice Utrillo, Max Jacob, Manuel Ortiz de Zárate, Jacques Lipchitz, Moïse Kisling y Chaïm Soutine, "Modi" se convirtió en una de las figuras de la bohemia. Alrededor de 1909, se dedicó a la escultura como ideal, pero la abandonó hacia 1914, principalmente por problemas pulmonares: volvió a dedicarse exclusivamente a la pintura, produjo mucho, vendió poco y murió a los 35 años de una tuberculosis contraída en su juventud.

A partir de entonces, fue la encarnación del artista maldito que se había hundido en el alcohol, las drogas y las relaciones tormentosas para ahogar su malestar y su desgracia. Aunque no carecen de fundamento, estos tópicos -reforzados por el suicidio de su compañera embarazada Jeanne Hébuterne (1898-1920) al día siguiente de su muerte- han sustituido durante mucho tiempo una realidad biográfica difícil de establecer, así como un estudio objetivo de la obra. Jeanne Modigliani (1918-1984), hija de la pareja, fue una de las primeras en los años 50 en demostrar que la obra de su padre no estaba marcada por su vida trágica e incluso evolucionó en sentido contrario, hacia una forma de serenidad.


Modigliani dejó unas 25 esculturas de piedra, principalmente cabezas femeninas, ejecutadas en talla directa quizá por el contacto con Constantin Brâncuși y que evocan las artes primitivas que Occidente estaba descubriendo entonces. Un aspecto escultórico estilizado se encuentra precisamente en sus pinturas, infinitamente más numerosas (unas 400) aunque destruyó muchas de ellas y su autentificación es a veces delicada. Se limitó esencialmente a dos grandes géneros de la pintura figurativa: el desnudo femenino y, sobre todo, el retrato.


Influido por el Renacimiento y el clasicismo italianos, Modigliani se inspiró sin embargo en las corrientes del postimpresionismo (fauvismo, cubismo, inicio del arte abstracto) para conciliar tradición y modernidad, persiguiendo su búsqueda de la armonía intemporal con una independencia fundamental. Su continuo trabajo de depuración de las líneas, los volúmenes y los colores ha hecho su línea amplia y segura, toda en curvas, sus dibujos de cariátides, sus sensuales desnudos en tonos cálidos, sus retratos frontales con formas estiradas hasta la deformación y con una mirada a menudo ausente, como vuelta hacia dentro.

Centrado en la representación de la figura humana, su estética de lirismo contenido convirtió a Modigliani, post mortem, en uno de los pintores más populares del siglo XX. Teniendo en cuenta que no dejó una huella decisiva en la historia del arte, los críticos y los académicos tardaron en reconocerle como un artista destacado.


Muy unido a su madre, "Dedo" disfrutó de una infancia mimada y, a pesar de las dificultades materiales, su deseo de convertirse en artista no suscitó ningún conflicto, al contrario de lo que pensaba André Salmon.

Eugénie Garsin se trasladó con sus hijos a una casa en la Via delle Ville, que se puso prudentemente a su nombre, y se distanció de su familia política y de su marido, que se había ido a recuperar a Cerdeña. Pronto acogió a su padre viudo, un buen erudito, amargado hasta la paranoia por sus dificultades comerciales, pero que adoraba a su nieto y a dos de sus hermanas: Gabriella, que trabajaba en la casa, y Laura, psicológicamente frágil. Para complementar sus ingresos, Eugenia dio clases de francés y luego abrió una pequeña escuela pública con Laura, donde Amedeo aprendió a leer y escribir a una edad muy temprana. Apoyada por sus amigos intelectuales, esta estoica amante de la escritura se dedicó también a la traducción (poemas de Gabriele D'Annunzio) y a la crítica literaria.

La leyenda cuenta que la vocación de Modigliani se declaró súbitamente en agosto de 1898, durante una grave fiebre tifoidea con complicaciones pulmonares: el adolescente que nunca había tocado un lápiz habría soñado con el arte y con obras maestras desconocidas, el delirio febril liberó sus aspiraciones inconscientes. Es más probable que simplemente los reafirmara, pues ya había mostrado su gusto por la pintura. En 1895, cuando sufrió una grave pleuresía, Eugenia, que lo encontraba un poco caprichoso -entre la tímida reserva y los estallidos de exaltación o de cólera-, se preguntó si de esta crisálida no saldría un día un artista. Al año siguiente pidió clases de dibujo y a los trece años, mientras estaba de vacaciones en casa de su padre, pintó algunos retratos.

Iniciado en el hebreo y en el Talmud desde hace mucho tiempo, Amedeo estaba encantado con su Bar Mitzvah, pero no se mostraba brillante ni estudioso en clase, y no sin cierta preocupación, su madre le dejó abandonar la escuela a los catorce años para ir a la Academia de Bellas Artes, completando así su disputa con los Modigliani, que desaprobaban sus actividades, así como su apoyo a su hijo mayor, militante socialista en prisión.

En busca de un ambiente estimulante, Modigliani pasó un año en Florencia y luego tres en Venecia, un anticipo de la bohemia parisina.


En mayo de 1902, impulsado por Costa o por el propio Micheli, Modigliani se une a GhigliaK 3 en la Escuela Libre de Desnudos dirigida por Fattori dentro de la Academia de Bellas Artes de Florencia. Cuando no estaba en el estudio -una especie de capharnaum donde el maestro animaba a sus alumnos a seguir libremente sus sentimientos ante el "gran libro de la naturaleza"- visitaba las iglesias, el Palazzo Vecchio, las galerías del Museo Uffizi y los palacios Pitti y Bargello. Admiraba a los maestros del Renacimiento italiano, pero también a los de las escuelas flamenca, española y francesa. Christian Parisotf sitúa allí, frente a las estatuas de Donatello, Miguel Ángel, Cellini o Juan Bolonia, un segundo choque que revela al joven Amedeo que dar vida a la piedra será para él más imperioso que la pintura. Mientras tanto, aunque no faltan los cafés literarios donde artistas e intelectuales pueden reunirse por la noche, la animación de la capital toscana no le satisface.


Lejos de la estabilidad material y moral a la que quizás aspiraba, Modigliani se convirtió, según su amigo Adolphe Basler


"el último auténtico bohemio".


A principios de 1906,11 como es habitual en una ciudad nueva, el joven italiano eligió un buen hotel cerca de la Madeleine. Acudía a los cafés, a las tiendas de antigüedades y a las librerías, y se paseaba por los bulevares con un traje negro de pana con botas de cordones, una bufanda roja de "artista" y un sombrero estilo Bruant12. Practicando el francés desde la infancia, se relacionaba fácilmente y gastaba a manos llenas, aunque tuviera que hacer creer que era el hijo de un banquero. Inscrito durante dos años en la Academia Colarossi, recorrió el Museo del Louvre y las galerías que exponían a los impresionistas o a sus sucesores: Paul Durand-Ruel, Clovis Sagot, Georges Petit, Ambroise Vollard, Berthe Weill, Bernheim-Jeune

Habiendo agotado en pocas semanas los ahorros de su madre y el legado de su tío fallecido el año anterior, Modigliani se instaló en un estudio de la calle Caulaincourt, en el "maquis" de Montmartre. Expulsado por las obras de rehabilitación del distrito, pasó de las pensiones a las guarniciones, con el Bateau-Lavoir como domicilio permanente, donde hizo apariciones y durante un tiempo tuvo una pequeña habitación. En 1907 alquiló un cobertizo de madera al pie de la colina, en la plaza Jean-Baptiste-Clément, que perdió en otoño. El pintor Henri Doucet le invitó entonces a formar parte de la colonia de artistas que, gracias al mecenazgo del Dr. Paul Alexandre y de su hermano farmacéutico, ocupaba un viejo edificio de la calle del Delta donde también se organizaban "sábados" literarios y musicales.

A partir de 1909, a veces desahuciado por impago de alquiler, vive alternativamente en la orilla izquierda (la Ruche, Cité Falguière, boulevard Raspail, rue du Saint-Gothard) y en la orilla derecha (rue de Douai, rue Saint-Georges, rue Ravignan). Cada vez abandona o destruye algunos de sus cuadros, trasladando su baúl, sus libros y materiales, sus reproducciones de Carpaccio, Lippi o Martini, y su bañera a un carro. Así pues, muy pronto, a pesar de los mandatos de Eugenia, comenzó el vagabundeo de su hijo en busca de alojamiento, si no de comida: algunos vieron en ello la causa, otros la consecuencia de sus adicciones.

Modigliani pasó varios años de cuestionamiento: ni siquiera su experiencia veneciana le había preparado para el choque del postimpresionismo.


En Montmartre pintó menos que dibujó y tanteó imitando a Gauguin, Lautrec, Van Dongen, Picasso y otros. En el Salón de Otoño de 1906 quedó impresionado por los colores puros y las formas simplificadas de Gauguin, y aún más al año siguiente por una retrospectiva de Cézanne, cuyos principios experimentó: La Juive tomó prestado de Cézanne, así como de Gauguin o de la línea "expresionista" de Lautrec. Sin embargo, la personalidad artística de Modigliani estaba lo suficientemente formada como para no adherirse a cualquier revolución al llegar a París: reprochó al cubismo su formalismo desencarnado y se negó a firmar el manifiesto futurista que le presentó Gino Severini en 1910.


Independientemente de estas influencias, Modigliani quiso conciliar tradición y modernidad. Sus vínculos con los artistas de la todavía naciente École de Paris - "cada uno en busca de su propio estilo"- le animaron a probar nuevos procesos, a romper con la herencia italiana y clásica sin negarla y a desarrollar una síntesis singular. Busca la simplicidad, sus líneas se vuelven más claras, sus colores más fuertes. Sus retratos muestran su interés por la personalidad del modelo: la baronesa Marguerite de Hasse de Villars rechazó el que hizo de ella como amazona, sin duda porque, privada de su chaqueta roja y de su marco opulento, mostraba cierta morosidad.

Aunque apenas mencionaba su obra o sus concepciones pictóricas, Modigliani se expresaba a veces sobre el arte con un entusiasmo que hizo que Ludwig Meidner le admirara, por ejemplo: "Nunca antes había oído a un pintor hablar de la belleza con tanto ardor. Paul Alexandre animó a su protegido a participar en las exposiciones colectivas de la Sociedad de Artistas Independientes y a presentar un dibujo y cinco lienzos en el Salón de 1908: su cromatismo y su estilo conciso y personal, sin innovaciones radicales, tuvieron una acogida desigual. El año siguiente sólo produjo entre seis y dieciocho cuadros, ya que la pintura pasó a un segundo plano para él; pero los seis que presentó en el Salón de 1910 llamaron la atención, sobre todo El violonchelista, cuya calidad a lo Cézanne apreciaron Guillaume Apollinaire, Louis Vauxcelles y André Salmon.

A pesar de su larga vocación, Modigliani se lanzó a la escultura sin ninguna formación.

Durante años consideró la escultura como el arte mayor y sus dibujos como ejercicios preliminares al trabajo del cincel. En Montmartre, habría practicado ya en 1907 sobre traviesas, la única estatuilla de madera autentificada es, sin embargo, posterior. De las escasas obras en piedra realizadas el año siguiente, queda una cabeza de mujer con un óvalo estirado. 1909-1910 marca un giro estético: Se lanzó de lleno a la escultura sin dejar de pintar del todo, algunos retratos, pocos desnudos entre 1910 y 1913, sobre todo porque la tos debida al polvo del corte y el pulido le obligó a suspender su actividad durante períodos Dibujos y cuadros de cariátides acompañan su carrera de escultor como tantos proyectos abortados

En estos años de encaprichamiento con el "arte negro", Picasso, Matisse, Derain, muchos probaron su mano en la escultura Sea o no para unirse a Constantin Brâncuși a quien el Dr. Alexandre le había presentado, Modigliani se trasladó a la Cité Falguière y obtuvo su piedra caliza de viejas canteras o de las obras de Montparnasse (edificios, metro) Aunque ignorante de la técnica, trabajó de la mañana a la noche en el patio: Al final del día, alinea sus cabezas esculpidas, las riega con cuidado y las contempla durante mucho tiempo cuando no las está decorando con velas en una especie de puesta en escena primitiva.

Vagabundeo, aumento del alcoholismo y la drogadicción, relaciones amorosas tormentosas o no correspondidas, exhibicionismo agresivo: Modigliani encarnaba "la juventud quemada".

De regreso a París en el verano de 1913, retomó "su jaula en el Boulevard RaspailP 29" y luego alquiló estudios al norte del Sena (Passage de l'Élysée des Beaux-Arts, Rue de DouaiN 23, Place Émile-GoudeauM 53) mientras pasaba sus días en el barrio de Montparnasse, al que habían emigrado paulatinamente los artistas de Montmartre y que, hasta entonces rural, estaba siendo objeto de una importante renovación.

En lugar del Dôme o de la Closerie des Lilas, prefiere La Rotonde, un lugar de encuentro de artesanos y trabajadores cuyo propietario, Victor Libion, deja que los artistas se queden durante horas frente al mismo cristalP 48. Tiene la costumbre de ir a Rosalie's, conocido por su comida italiana barata y su generosidadN 20 , y a quien le repite que un artista sin dinero no debe pagar. Pobre Amedeo", recuerda. Aquí estaba en casa. Cuando lo encontrábamos dormido bajo un árbol o en una zanja, lo llevábamos a mi casa. Durante la guerra también frecuentó la "cantina" y las fiestas de Marie Vassilieff, que sin embargo temía sus arrebatos.

Más que nunca, "Modi "k se emborrachaba -cuando no combinaba el alcohol con las drogas- fanfarroneando, declamando versos, lanzando diatribas líricas o altercados: sólo Libion podía calmarlo. Cuando fracasaba en la comisaría, el comisario Zamarrón, aficionado a la pintura, le sacaba o le compraba algún lienzo o dibujo: su despacho en la prefectura estaba decorado con obras de Soutine, Utrillo y Modigliani, habituales de la comisaría.

En el momento de la movilización de agosto de 1914, Modigliani quiere alistarse, pero sus problemas pulmonares impiden su incorporación. Permanece algo aislado en Montparnasse, a pesar del regreso de los licenciados por heridas graves: Braque, Kisling, Cendrars, Apollinaire, Léger, Zadkine... Al contrario que las de Picasso, Dufy, La Fresnaye o los expresionistas alemanes, sus obras no contienen ninguna alusión a la guerra, ni siquiera cuando pinta a un soldado con uniforme.

Multiplicó sus aventuras, sobre todo porque, según recuerda Rosalie, "era muy bonito, ¿sabes? ¡Virgen Santa! Todas las mujeres iban detrás de él". Su relación con la artista Nina Hamnett, la "Reina de los Bohemios", probablemente no fue más allá de la amistad, pero con Lunia Czechowska, a la que conoció a través de los Zborowski y a la que pintó catorce veces, tal vez sí. Entre otros ligues, Elvira, conocida como La Quique ("La Chica"), es una entrenadora de Montmartre: su intensa relación erótica dio lugar a varios desnudos y retratos antes de que ella lo dejara abruptamente. En cuanto a la estudiante quebequense Simone Thiroux (1892-1921), que dio a luz en septiembre de 1917 a un hijo al que Modigliani se negó a reconocer,50 contrarrestó en vano su descortesía con cartas en las que suplicaba humildemente su amistad. El pintor, por su parte, vivió desde la primavera de 1914 hasta 1916 con la poeta y periodista británica Beatrice Hastings. Todos los testigos hablan de amor a primera vista. Beatrice tenía encanto, cultura, un lado excéntrico y una afición por el cannabis y la bebida que hacía dudar de que hubiera frenado a Modigliani, aunque ella afirmara que "nunca hizo nada bueno con el hachís". Desde el principio, su apasionada relación, hecha de atracción física y rivalidad intelectual, escenas de terribles celos52 y bulliciosas reconciliaciones, alimentó las habladurías. Beatrice inspiró numerosos dibujos y una docena de retratos al óleo, a veces humorísticos. "Un cerdo y una perla", dijo ella de él, cansada de sus peleas cada vez más violentas. No obstante, el arte de Modigliani ganó en firmeza y serenidad durante el "periodo Hastings".

"Período Hastings".


Volver a la pintura

La imposibilidad de esculpir estimuló innegablemente la creatividad pictórica de Modigliani: comenzó la era de las grandes obras maestras.

Modigliani continuó su actividad pictórica al margen de la escultura, en particular con dibujos, gouaches u óleos que representan cariátidesM 50. Lo cierto es que a partir de 1914 pintó de forma cada vez más frenética, con un punto álgido entre 1917 y 1918-1919. Rápidamente encontró su estilo, buscando febrilmente expresar lo que sentía sin preocuparse por las vanguardias. En noviembre de 1915 escribió a su madre:


"Vuelvo a pintar y a vender".


En 1914, quizá tras un breve patrocinio de Georges Chéron, que se jactaba de haber encerrado a Modigliani en su sótano con una botella y su criada para obligarle a trabajar, Max Jacob presentó a su amigo a Paul Guillaume. Este amante del "arte negro" y del arte moderno exponía a desconocidos en su galería de la rue du Faubourg-Saint-Honore: único comprador de la obra de Modigliani hasta 1916, sobre todo porque Paul Alexandre estaba en el frente, le hizo participar en exposiciones colectivas. Nunca lo contrató, ya que ambos tenían poca afinidad, pero tras su muerte lo dio a conocer a los estadounidenses, empezando por Albert Barnes en 1923.

En julio de 1916, sólo tres obras se encontraban entre las 166 expuestas por André Salmon en la mansión privada del gran modisto Paul Poiret en la avenida de Antin. Es más bien en diciembre, durante una exposición en el estudio del pintor suizo Émile Lejeune, en la calle HuyghensP 63, cuando Léopold Zborowski descubre los cuadros de Modigliani al ritmo de la música de Erik Satie: le parece que vale el doble que Picasso. El poeta y marchante polaco se convirtió no sólo en un ferviente admirador, sino también en un amigo fiel y comprensivo del pintor, y su esposa Anna (Hanka) en una de sus modelos favoritas. Le apoyaron hasta el final en la medida de sus posibilidades: una asignación diaria de 15 francos (unos 20 euros), materiales, modelos28, gastos de hotel, además de la libertad de pintar todas las tardes en su casa, 3 rue Joseph-Bara. Modigliani les recomendó a Chaïm Soutine y ellos aceptaron ocuparse de él por amistad, aunque no apreciaban sus modales ni su pintura.

Demasiado independiente y orgulloso para ser un retratista mundano como Kees van Dongen o Giovanni Boldini, Amedeo concibe el acto de pintar como un intercambio afectivo con el modelo: sus retratos recorren la historia de sus amistades y amores. Françoise Cachin considera que los del "periodo Hastings" son de gran precisión psicológica. En cuanto a los 25 desnudos voluptuosos54 pintados hasta 1919 en poses sin mojigatería, alimentan las fantasías del público sobre un Modigliani libertino.

El 3 de diciembre de 1917, en la galería Berthe Weill de la calle Taitbout, tuvo lugar la inauguración de la que sería su única exposición personal de una treintena de obras. Dos desnudos femeninos en el escaparate provocaron inmediatamente un escándalo que recuerda al de la Olympia de Édouard Manet: aferrándose a una representación idealizada, el comisario de policía local ordenó a Berthe Weill retirar cinco desnudos alegando que su vello púbico atentaba contra la decencia pública, lo que puede sorprender medio siglo después de L'Origine du Monde de Gustave Courbet. Amenazado con el cierre, cumplió, compensando a Zborowski por cinco cuadros. Este fiasco -dos dibujos vendidos por 30 francos- dio publicidad al pintor59 , atrayendo sobre todo a quienes no tenían aún medios para permitirse un cuadro impresionista o cubista: Jonas Netter se interesaba por Modigliani desde 1915, pero el periodista Francis Carco alabó su audacia y le compró varios desnudos, al igual que el crítico Gustave Coquiot, y el coleccionista Roger Dutilleul le encargó un retrato

Jeanne Hébuterne

Modigliani pasó los tres últimos años de su vida con Jeanne Hébuterne, en la que quizá vio su última oportunidad de realizarse


Fuente: Wikipedia

Foto: Museo de la Orangerie

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